Una loba anda suelta

Sí, anda suelta y en busca de solteros. O al menos es lo que dice buscar Shakira en su nuevo sencillo "Loba". Una canción muy diferente a lo que ha hecho en el pasado. Ahora les diré por qué:

Musicalmente es un pop que suena reminiscente de los años 70s, con sus toques electrónicos de modernidad. Divertido y alejado de los típicos toques latinos que Shakira solía imprimir a su música. Su voz suena tan aguda como siempre, pero es la primera vez que la usa para hacer un sonido especial: durante el coro lanza un aullido de lobo... haciendo alusión al título de la canción, y dándole un toque especial.

Líricamente, la letra se desvía de las típicas baladas de amor y desamor que Shakira sabe escribir muy bien. Tampoco tiene mucho que ver con sus canciones divertidas (como Las de la Intuición). Con frases como "Llevo conmigo un radar especial para localizar solteros" o "ni tipos muy lindos, ni divos, ni niños ricos, yo se lo que quiero; pasarla muy bien y portarme muy mal en los brazos de algún caballero" la canción se inclina hacia lo delicado, y aunque parecen frases que cabrían en el nuevo disco de Fey, son frases que sólo Shakira podría hacer funcionar.

Por ahí leí que es algo totalmente diferente a sus trabajos anteriores, pero que a la vez es algo que sólo Shakira haría con tanta calidad.

Carolines Murmurs

Caroline es una taka taka que iba directito a volverse una J-Pop a principios de su carrera en Tokio, Japón. En cambio, y tomando las riendas de su vida y de su música, decidió mudarse a la "Tierra Prometida" para los artistas nuevos, Estados Unidos (o al menos eso dice ella) y cambiar la "J" por un Synt y volverse una SyntPop

Su disco Murmurs es difícil de describir, lo he estado escuchando ya un buen rato y, puedo decir, que suena un poco a Björk, un poco a Emiliana Torrini, un poco a Múm y un mucho a Frou Frou, pero eso sí, muchos mil millones de años luz más bubblegum. Todo el disco es como una explosión de sonidos, de miles de instrumentos que suenan todos al mismo tiempo y aún así, entre arpas, campanas, pianos, cuerdas y tambores sobresale esta voz cristalina que, de alguna manera, hace que todo suene ordenado y bello, como una sola línea que encanta y te tranquiliza.

El disco produce el mismo efecto que tiene el Vespertine de Björk. Te enfría por dentro, cuando te encuentras acalorado, con sus sonidos cristalinos que refrescan tu cabeza y hace que te de, en momentos, carne de gallina. Pero también puede calentarte hasta los huesos, cuando mueres de frío, con esta paz y tranquilidad que transmite la música que te hace sentir acurrucado en tu sillón favorito al lado de una ventana viendo al mundo pasar sientiéndote bien, muy bien. Algo complicado de lograr, a mi parecer, con tan solo 40 minutos música.

Ahora bien, que tampoco me atrevo a decir que es lo más ¡Yeah! del mundo pues, la verdad, las letras no dan mucho. El tema del disco es el amor y se habla mucho de los ya muy clicheados "quiero estar junto a tí" y "mi vida eres tú" y "quédate conmigo" y... de bicicletas que ¿robaban alientos? Bueno, bueno, pero que si tú eres como yo, de esas personas que les vale lo que dice la letra y escuchas la voz no como un significado si no como un instrumento más, éste disco puede ser para tí.

Volta revisitado...

Un año, seis meses y diecisiete días...
Esa fue la espera para Voltaïc, la recopilación de “todo” lo relacionado a la época del Volta Tour y que la seño Björk tardó tanto en dar a luz. Claro que yo estoy contando los días desde la noche que la susodicha se postró en el barrancoso escenario de Huentintán, ataviada con su kimono-huichol-africano y nos deleitó a 18 mil almas ahí empolvadas durante el Sonofilia 07, hasta la fecha oficial del lanzamiento el pasado 23 de junio.

Este ha sido uno de sus lanzamientos más grandes, tanto por el número de ediciones (cinco diferentes en total), como por la cantidad y variedad de material reunido (nuevas grabaciones en estudio, dos conciertos, remixes y videoclips); pero más que nada por la expectativa generada gracias al retraso de más de un año desde la supuesta salida original. Sin embargo, aún con todo esto parece como que… le falta algo.

En primer lugar tenemos el CD Live at Olympic Studios, 11 canciones grabadas en una sola toma durante el verano de 2007. Supuestamente este sería la continuación de su excelente Live Box Set, donde su repertorio clásico se adaptaba al sonido de cada nuevo álbum, pero que en este caso resulta una oportunidad desaprovechada. La mitad del disco (canciones de Volta) suenan igual a las originales (exceptuando, tal vez Wanderlust). Un desperdicio, considerando arreglos tan buenos para Hyperballad, Jóga, Bachelorette y Who Is It que no entiendo por qué quedaron omitidos, aunque se compensa (apenas) con Army Of Me, I Miss You, All Is Full Of Love y Hunter.

El DVD de los conciertos levanta el ánimo. No sólo trae las canciones omitidas en el disco anterior sino que Live In Paris y Live in Reykjavík retratan a la perfección el espectro interpretativo de esta talentosa mujer. En el primero (grabado en el famoso Olympia) se muestra el setlist más emocionante y festivo, el cual va muy ad hoc con el espíritu energético, tecno-tribal que define a Volta, mientras que el grabado en la capital islandesa (la última presentación de todo el tour) nos muestra su lado más introspectivo y suave.

Le sigue el DVD de los videos, que en conjunto son la camada más decepcionante de su carrera audiovisual. Lo único que realmente vale la pena (y que hasta me hace olvidar esos experimentos fallidísimos hechos por sus fans) es Wanderlust, todo un cortometraje épico y multimedia que por desgracia no viene en su versión 3D (Fuck!).

Por último los remixes. La mayoría venía ya con su respectivo single, aunque tenemos la sorpresa de que se suman dos nuevos (Innocence Alva Noto Unitxt Remodel y Declare Independence Black Pus Remix). De entre el bonche lo realmente destacable son las mezclas de Modeselektor para la inolvidable Dull Flame Of Desire (tanto el Remix For Girls como el Remix For Boys) y alguno que otro de los tantos de Innocence. El resto simplemente no termina por ser tan espectacular.

En conclusión, Voltaïc es una entrega un tanto desigual y que pudo habernos dado un poco más de lo que es (¡ME NIEGO A CREER QUE NO HAYA B-SIDES!), pero que a pesar de todo sigue mantendiendo el sello de calidad björkiano que tanto nos hipnotiza a sus fans. Mi idea es que al ser Volta un disco excelente en cuestión de canciones individuales pero falto de una unidad global, era lógico que su recapitulación padeciera de lo mismo: una especie de toque 'inacabado' o improvisado (que no es en sí un error pero que definitivamente no creo que sea la mejor ruta creativa para la Guðmundsdóttir).

La Vida Americana de Madonna

Eventualmente tenía que ponerme a hablar de Madonna. Y es que hay un tema en especial que me interesa tratar, y ese es nada más y nada menos que uno de los mayores fracasos comerciales de esta mujer, si no es que el mayor, al menos en la música, sus películas son otro tema. Se trata de su disco del 2003 American Life, un trabajo que, sin duda alguna, se encuentra altamente menospreciado (sobretodo por la poca difusión que recibió, debido a su contenido anti-guerra) y que, a mi parecer, es uno de sus proyectos mejor pensados y cohesionados, debido a su temática uniforme y su variado pero consistente estilo. Lamentablemente, todo el alboroto del disco se fue directito a la censura del video de American Life y al beso entre Madonna y Britney Spears durante los premios MTV de aquel año.

Cabe mencionar que los conceptos en los que se centra el álbum son todo menos novedosos, pues se dedica a criticar el consumismo, el miedo, el utilitarismo y la desensibilización de la sociedad actual, en especial de la estadounidense. Sí, trillado, lo sé, pero el fuerte de este disco no es la crítica en sí, si no la manera en la que realiza esta crítica, de manera sutil pero muy clara, utilizando al amor casi como un pretexto para hablar mal del mundo y de la gente, como sucede en la canción Love Profusion, en donde afirma "And the world can look so sad / Only you make me feel good". Y, a la vez, Madonna establece al amor como la perfecta solución, como repitiendo las palabras de John Lennon "todo lo que necesitas es amor".

Sin duda alguna, se trata del disco más negativo de Madonna y, a la vez, uno de los más introspectivos. Además, se encuentra en una época en la carrera de Madonna en la que las letras eran verdaderamente buenas, lo cual se da en la trilogía constituida por Ray Of Light, Music y American Life, producida casi completamente por Mirwais Ahmadzaï y William Orbit. Como consecuencia, este es un disco muy silencioso y acústico, a pesar de su recibimiento electro-rappero, la canción American Life. Por ejemplo, en la canción sobre autovaloración X-Static Process, la instrumentación está constituida únicamente por una guitarra acústica, carente de percusión. Canciones como Hollywood y Nobody Knows Me dejan ver el lado más dance del disco, a la vez que dejan muy claro que Madonna "no ve la TV, no escucha la radio y no desperdicia su tiempo". Por otro lado canciones como Love Profusion, Nothing Fails, Intervention e Easy Ride, nos dan toneladas de sonidos electrónicos, guitarras acústicas, estrofas habladas, bellísimos arreglos de violines (similares a los que escuchábamos en Frozen) e inclusive coros gospel.

Asimismo, cabe denotar que, en este disco, encontramos a Madonna rappeando, tanto en la canción titular como en Mother And Father, donde Madonna nos habla sobre su niñez, sus padres y los tiempos cuando "solía ser feliz y rezar a Jesucristo" (más personal de lo que la Reina del Pop nos tiene acostumbrados). Y respecto al rap, digo lo que he dicho antes, que es que me parece perfecto que un artista se atreva a explorar otros estilos y recursos, y más Madonna, la ganadora en la carrera de la reinvención musical y de imagen.

Definitivamente, American Life es un álbum con un sonido diferente, que llevó a Madonna en una nueva dirección y que nos mostró a una artista innovadora y reflexiva. Si bien, ha tenido trabajos más atractivos, amigables y, sobre todo, popperos; este álbum constituyó un importante experimento en la música pop rock y electrónica, y que la condujo a lo que se convirtió, finalmente, en el Confessions On A Dance Floor. Finalmente, es un disco en el que Madonna nos revela letras altamente críticas, pero sin sermonear, lo cual constituye un alivio para muchos, incluyéndome a mí. Recomiendo altamente tomarse el tiempo para escucharlo y verlo objetivamente, yo lo hice y encontré una gran propuesta.

+Q.P.D. Michael Jackson (1958-2009)+

El día de hoy el post está dedicado a un artista que nos dió mucho durante sus 50 de vida. Si, desafortunadamente el día de hoy Michael Joseph Jackson (El Rey Del Pop) dejó de existir físicamente, pero nos dejó un legado enorme ya que no sólo revolucionó el mundo del pop, si no también el mundo de los videos musicales con su video Thriller, ya que este fue el video que provocó y revolucionó el boom en la televisora MTV, ya que fue un video que innovó en todos los aspectos, coreografías, efectos especiales y musicalmente era excelente. Fue una gran combinación de mercadeo y arte.

Thriller vendió 50 millones de discos lo cual es impresionante, como todo lo que logró este hombre, fue reconocido por guiness por haber logrado ganar 100 millones de dólares en un año.

http://www.youtube.com/watch?v=AtyJbIOZjS8

The Way You Make Me Feel

Sus Producciones discograficas:

• § 1971: Got To Be There
  
• § 1972: Ben
  
• § 1973: Music And Me
  
• § 1975: Forever, Michael
  
• § 1979: Off the Wall
  
• § 1981: One Day In Your Life
  
• § 1982: Thriller
  
• § 1984: Farewell My Summer Love
  
• § 1987: Bad
  
• § 1991: Dangerous
  
• § 1995: HIStory: Past, Present and Future - Book I
  
• § 1997: Blood On The Dance Floor
  
• § 2001: Invincible

Michael Jackson, apesar de estar estos últimos años en el ojo del huracán con escandalos, no se comparara nunca con los actos humanitarios que realizó, sus donaciones y aportaciones dando una suma total de 300 millones de dólares.

Pero sobre todas las cosas, lo recordaremos como lo que fue, el Rey Del Pop. Un gran artista que marcó la pauta de una era, de más de una generación inspirando al mundo musical , ayudando a transformar en lo que hoy es la industria de la música.

Que descanse en paz Michael Jackson...

Reseña: Tori Amos - Abnormally Attracted to Sin

Después de dividirse en 5 personalidades diferentes en su anterior disco, vuelve Tori Amos. Siendo éste su álbum número 10 de estudio, siempre se sabe que se puede esperar de la señora Amos. Esto no quiere decir que Tori nos desilusione. El título del disco es Abnormally Attracted to Sin y contiene 18 tracks. Como deben saber, los discos de esta cantautora siempre vienen acompañados de un tema, son discos concepto. Éste no es la excepción, y como el título lo sugiere, ésta vez la música se revuelve alrededor del amor y el pecado.

El álbum viene acompañado de unos visualettes (incluídos en un DVD especial) que ayudan a “narrar” el disco, y éstos fueron filmados y dirigidos por Christian Lamb, quién ha colaborado con Madonna e Incubus, entre otros. Algo parecido hizo Dido con su álbum Safe Trip Home en 2008, sólo que los directores eran sus fans.

Sónicamente, es un disco muy cercano al To Venus and Back del 99. No es la Tori enteramente tranquila que vemos en Under the Pink, ni la enojada y transgresora del American Doll Posse. En realidad es una versión updateada del álbum de 1999, con toques de Scarlet’s Walk y The Beekeeper. Los sonidos muy acústicos, con algo de retoque de las pro-tools, y su voz suenan de esa época.

Give se siente un poco portishead-esca, mientras Welcome to England es la clásica Tori de Taxi Ride. Flavor es la mejor de las baladas del disco. Suena espaciada y lenta. El sabor del que habla es el amor o el miedo y cómo los medios nos fuerzan a actuar en reacción a esto y no a la compasión y la razón. Fire to Your Plain es una tonada sabrosa, con toquecillos latinos (o al menos playeros), muy al estilo de The Beekeeper. Maybe California pone a Tori en el lugar de una madre de nuevo, y con esa empatía le pide a otra que no se suicide, que lo haga por su(s) hijo(s): “… Hey Mrs. See, please don't jump…”

Al álbum le faltan las canciones cortas en las que juega como en Mr. Zebra del Boys For Pele. Lo que más se le acerca es Mary Jane, donde un adolescente le pide a su madre dejarlo descubrir el mundo a través de la droga, hablando de ella como si fuera una persona con el nombre de la amada de Spider Man.

Y mi preferida del disco hasta ahora: Fast Horse. Me suena a salida del viejo oeste, con el acento sureño de Tori, pero bastante melodiosa. “… You got you a fast horse Darling, but all you do is complain it ain’t a Maserati” es mi línea favorita del disco, y resume muy bien la envidia, uno de los 7 pecados de los que habla Tori en Abnormally Attracted to Sin.

Fisherman's Woman.

Emilíana Torrini es una cantante que es frecuentemente comparada con Björk, más que nada por que ambas son islandesas, además de que las dos, a finales de los 90's, estuvieron sumergidas en el trip-hop/pop con sus discos Love In The Time Of Science y Debut, respectivamente. Fue ella la que compuso y cantó el tema de "Las Dos torres", "Gollum's Song", segunda parte de la trilogía del "Señor de los Anillos", así como también escribió el top hit de Kylie Minogue "Slow".

"Home alone and happy / Nothing brings me down"... Es así como empieza el disco que, durante 12 canciones, nos susurra una historia de fuerza interna, directamente al flujo sanguíneo. Teniendo como tema central la fe y la esperanza en el momento de una perdida, Fisherman's Woman se enfoca en el conflicto interno de una persona que se ve separada de un amado por un periodo de tiempo, ya sea la esposa de un pescador esperando el sano regreso de su esposo o un artista en gira que extraña la tierra en la que creció.

Torrini, que había tenido un comienzo de carrera como una artista trip-hop, con su disco Love In The Time Of Science, 6 años antes del lanzamiento de éste disco, deja todo aquello que suene electrónico y crea un disco con una guitarra, un piano y sonidos como balzas, madera crujiente y gaviotas. Sin duda alguna, un disco mucho más íntimo, que nos recuerda el mismo cambio que tuvieron artistas como Björk de Homogenic a Vespertine y el grupo Goldfrapp de Supernature a Seventh Tree.

El disco cuenta con temas como "Sunny Road", una carta a un enamorado de Torrini, en la que le pide un reencuentro. "Fisherman's Woman", pensamientos de una mujer que espera a que su amor regrese después de un viaje largo. Y, mi favorita, "Nothing Brings me Down" canción en la que Torrini se declara sola en casa y feliz. Todas estas canciones (en realidad todo el disco), cuentan con tonadas tranquilas y sencillas que son, al mismo tiempo, nostálgicas y hermosas.

Fisherman's Woman es, sin duda alguna, el número 1 de mi Top 10, haciéndolo mi album favorito de entre todos los que tengo y deseo tener. Es un disco para estar solo en casa, un disco para manejar bajo la lluvia, un disco para extrañar y ser extrañado.

Electro-Pop-Rock-Versallesco

Me declaro culpable de idolatrar los títulos barrocos y rebuscados… La verdad es que pienso que cuando no encuentras un mejor término para describir algo, lo más práctico es juntar un montón de palabras que medio te suenen a lo que quieres decir y ¡listo!

Y quiero creer que los chicos de Phoenix concuerdan conmigo… su cuarto material de estudio se intitula Wolfgang Amadeus Phoenix (2009). ¿Y qué fue lo que quisieron expresar con tan exótico-pseudo-homenajeante-y-un-poco-engreído título? Pues muchas cosas, según leí en una entrevista de la revista Marvin: “La idea surgió en medio del proceso del álbum, antes los títulos siempre se nos ocurrían al final […] Nosotros crecimos en Versalles, un lugar que tiene un gran pasado del cuál queríamos hablar. Se nos ocurrió hacerlo en términos un tanto infantiles y salió la idea de tomar figuras europeas clásicas e icónicas para destruirlas en un acto un tanto vandálico” dijo Christian Mazzalai, guitarrista de la banda.

Aunque bueno, aparte de a Mozart en el título, sólo sé que referencian al "compositor-pre-rockstar" Franz Liszt en el divertidísimo-romántico-pero-no-sentimental track de apertura Lisztomania (del que hay un video fan-made-ochentero que los Phoenix dicen gustar más que el que ellos mismos hicieron)... pero a nadie más. La verdad es que el disco es todo menos un aburrido homenaje-pseudo-intelectualoide.

Cameo de Phoenix en Marie Antoinette (2006)
¿Preludio a su fascinación con los íconos europeos?

Este trabajo tiene temas con ganchos que te atrapan enseguida (Fences y Girlfriend, escencialmente pop), posee también gran actitud producto de diez años de carrera que los ha echo encontrar un sonido único (1901, Rome, Lasso y Countdown, clásicamente rock) y también un saborcito electrónico-retro-pero-muy-actual (Love Like A Sunset Part I & II) dónde es más que evidente la presencia de Philippe Zdar (integrante de Cassius y productor del álbum), que enseguida nos remite a ese grupito de artistas salidos del Versalles de finales de los 90 (Daft Punk, Air y los propios Phoenix en sus comienzos) definitorios en la creación del French House. Sin embargo, es para el grand finale dónde realmente se lucen y nos sorprenden con una mezcla de todos los elementos anteriores en lo que Mazzalai llama "una sinfonía-barroca-adolescente", y que es para mi gusto LO MEJOR QUE HAN HECHO: Armistice

(está bien, está bien, sólo me ganaron con ese clavicordio-clavicémbalo-instrumento-barroco-whatever en el clímax de la canción).

Alexz Johnson

Esta semana después de pensar que comentar y tener una candidata posible, recordé a esta simpática señorita, la cual me agrada, tiene poco realmente que la descubrí y la verdad me agrado bastante su música , es una cantante de origen Canadiense, es de la British Columbia(Vancouver).

Esta señorita de 23 años se involucro desde muy joven en el mundo de la música, pero no fue sino hasta los 11 años cuando brinco a la fama al interpretar el himno de Canadá y ser escuchada en televisión que logro llamar la atención de muchos al ver su potencial.Logro trabajar para un programa de Disney llamado"so weird" a la edad de 13 años y poco a poco se fue consolidando en el mundo de la actuación y en el mundo musical.

Su participación más importante en la tv fue cuando interpreto a Jude Harrison en Instant Star, del cual podemos encontrar varias interpretaciones de ella bastante agradables, pero a final de cuentas son de un show, lo importante es la proyección y experiencia que eso le otorgo, la verdad me gustaría escuchar mas su trabajo personal, ya que recientemente ha declarado estar más interesada en la música que en la actuación, por lo tanto espero pronto escuchar material nuevo sobre ella.

Mis recomendaciones sobre su música:

• Skin (Mi Favorita)
  

• 24 Hours (El video más reciente)
• Easy
• The Breakdown

Espero que les agrade y le sigan la pista ya que es otra artista que le veo pontencial esperemos que lo pueda explotar =)

Saludos y Hasta la próxima semana.

De Chris Cornell gritando

Fue durante la segunda mitad de 2008 que, leyendo la discografía y créditos de producción de Timothy Mosley (mejor conocido como Timbaland), me di cuenta de que entre sus últimas creaciones se encontraba el más reciente álbum del rockerísimo Chris Cornell, bajo el título de Scream. Ya se imaginarán mi cara, no de asco, ni de enojo, ni de tristeza... Más bien de desconcierto, digamos. Entonces me puse a investigar y a escuchar el material que, hasta entonces, había lanzado. Se trataba de tres singles: Long Gone, Watch Out y Ground Zero. Me gustaron pero, francamente, no les presté demasiada atención: "esperemos hasta que salga el disco", pensé.

No fue hasta este año que Scream volvió a realmente captar mi atención. Inmediatamente después de su lanzamiento, corrí a escucharlo y averiguar, de una vez por todas, si la mezcla Timbaland-Cornell sonaba tan bizarra como... Pues, sonaba. Y bueno, el disco me recibió con trompetas muy a la 20th Century Fox (y, dada la experiencia, pensé "ahí vamos, otra vez, con 4 Minutes", pero no). Se trataba de Part Of Me, en mi opinión, una de las mejores y más movidonas del disco, repleta de sintetizadores, coros distorsionados y resonantes, y ritmos electrónicos característicos del R&B creado por Timbaland.

La siguiente que llamó mi atención fue Take Me Alive, una canción producida por Justin Timberlake (sí, Justin), y que forma parte de una larga lista de "baladas" creadas por Timberlake y Timbaland, con una estructura similar y coros interpretados por Timberlake, entre las que se encuentran Cry Me A River, What Goes Around.../...Comes Around (de Justin) y Devil Wouldn't Recognize You (de Madonna), entre otras.

El disco esta lleno de canciones muy variadas. Por el lado más electrónico/rockero, Cornell nos muestra tonadas más rápidas, fuertes y texturizadas, digamos, con canciones como Part Of Me, Enemy y Watch Out como ejemplo. Por otro lado, se muestra música más introspectiva, discreta y poppera, como se puede ver en Take Me Alive y Scream. Finalmente, se revela un Chris Cornell muy R&B, que en canciones como Time, Never Far Away y Long Gone, nos enseña que también para este género sirve su voz.

Y es que yo opino que hay que destacar que, en este disco, Chris Cornell demuestra que aún tiene la voz (y, esporádicamente, la guitarra), simplemente con un giro muy distinto pues, a sus 44 años, y con una larga historia como cantante de rock, se atrevió a darnos un disco completamente pop, electrónico y, sobre todo, R&B. "¿Por qué no?", digo yo. A mí parecer, siempre está bien experimentar y probar nuevos estilos, por extraño o impopular que pueda resultar (aunque sea Trent Reznor quién lo diga). Scream nos presenta un sonido, en mi opinión, dinámico, divertido, grande, innovador (a pesar del marcado estilo de Timbaland) y diferente.

Esperándola

He de decir que yo tenía este algo muy desgradable contra el Hip-Hop y el Rap, ambos géneros creados en los "hoods" gringos, debido a la imagen misógina/blin-blinesca que, en su mayoría, proyectaban. Después de unos años de tener que soportar a 50 Cent, y demás músicos que lo acompañaban, empezó a sonar al que yo llamo el Electronegro. A mis oídos, Kanye West fue el que empezó con esta nueva onda que seguía teniendo sonidos negros, visuales negros, pero con un twist. Era hip-hop con sintetizadores y sampleos.

Por otro lado, crecía también el Urban Pop. Un ejemplo claro, y popularizado por el éxito de la película Pineapple Express (y luego Slumdog Millionaire), es Paper Planes. M.I.A. es una inglesa/cingalesa (es decir, de Sri Lanka) que crea música con un giro muy diferente a lo que nos había acostumbrado MTV en Latinoamérica, demostrándolo, sobre todo, en su segundo disco, Kala (click para dounloudear el disco), que es el resultado de la unión de culturas afro con las grandes urbes occientales. El disco tiene sonidos de ventanas rompiéndose, pistolas, máquinas registradoras, cantos tribales, tambores y aves + Hip-hop, sintetizadores y letras con sentido que parecieran no tenerlo (según M.I.A).

Ahora, ¿qué pasa cuando juntas el electronegro y el urban pop? La ecuación es "sencilla"

Electronegro + Urban Pop = ElectroUrbano.

Así es como llegamos a Mz Bratt, una nueva cantante inglesa, producidad por Alesha Dixon, Lady Sovereign y Miss Dynamite. Su primer single saldrá a la venta el 13 de Julio de este año, pero ya podemos ver su video en YouTube y en su sitio oficial. Tengo ya una semana con la canción en la cabeza, les deseo lo mismo a ustedes.

Me da mucho gusto que, por fin, la música negra se haya despegado de los clichés y los caminos fáciles y que ahora esté proponiendo algo nuevo.

Electro-cortaditas cortesía de The Knife

¡Pff! En verdad no me puedo escapar del mundo sónico que estos suecos han maquilado. Es simplemente adictivo escuchar la voz de Karin Dreijer montada, y a veces distorsionada al punto de volverse algo andrógino, sobre las capas sonoras producidas por su hermano Olof. Ya entiendo porque los de Röysopp la invitan tanto a colaborar con ellos.

Creo que mucho tiene que ver la versatilidad impregnada en su música (pegajosa cuando es dance, melodiosa cuando es minimalista y siempre, siempre, conservando un aire raro pero magnético) con que me la pase poniéndolos a toda hora y en todo lugar (hey, ¡hasta pienso que hacen de la experiencia de ir al baño algo misterioso y deliciosamente onírico!).

Escuchar a The Knife es como entrar a un mundo de sueños synthpop que a veces ebulle en pesadillas melosas, en donde proliferan lásers, candelabros-disco-mutantes y gente con máscaras venecianas bailando muy ‘chabrochamente’… bien locochones pues.

Dado que no puedo acaparar mucho espacio detallando toda la Yeah-ez de su discografía, opté por comentar su segundo disco: Deep Cuts (2003). Esto porque se me hace el trabajo más ecléctico entre los tunes enérgicos y los ‘ambientalosos’, representando muy bien la onda que se traen estos dos entre manos.

Son famosos por casi no dar entrevistas

e incluso usar máscaras en sus presentaciones.

El álbum comienza con Heartbeats, LA ROLA del disco. Es ligera y excitante, como esas canciones que hacen de caminar a la vuelta de la esquina todo un road trip; está llena de texturas de sintetizador y una caja de ritmos intercalada con algo que suena como a ¡bongos y marimba! (que en realidad es un tambor metálico usado en las islas caribeñas, pero a mí me suena a vil marimba jarocha).

Esta extraña combinación musical le da colorido a otras dos canciones del disco, (la igualmente memorable y sexy Pass This On, y la retro-electroclash You Take My Breath Away), y en mi opinión este es el tipo de stroke of genius que le da un toque cálido, exótico y emocional a un género (la electrónica) al que se le critica la falta de calidez humana y sentimiento. Todo lo contrario con The Knife, pues su música reboza de emociones que te transportan a un universo dónde las máquinas traducen los sueños humanos con resultados agridulces y estrambóticos por igual.

Destacan también Listen Now, que te hará dar de brincos en cuanto la escuches, o She’s Having A Baby una retorcida y medio espeluznante canción de cuna para los momentos más melancólicos. También hay otras cosas como Is It Medicine y Girl’s Night Out que caen justo en medio de esos extremos (no traten de imaginarlo, escúchenlos).

Un disco sin duda heterogéneo y que no es fácil saborear a la primera, pero que sin duda alguna te hará reaccionar ante su propuesta original y electro-curiosa.

Aquí una probadita:

La que disque canta es un transvesti famoso en Suecia y Olof es el tipo de cabello corto que le baila. Karin aparece en la última toma.

Este es un bonus track del disco doble y también forma parte del excelente Hannah Med H Soundtrack compuesto por ellos:

Lesley Roy

Hola a todos nuestros nuevos seguidores. Antes que nada, quiero agradecerles su atención y, sobre todo, su visita a este blog que está súper Yeah.

Entrando ya en el tema, esta semana comentaré respecto a una cantautora que descubrí hace poco (seguramente la había escuchado antes, o ustedes, pero fue hasta hace poco que me interesé en ella) y, pues, vaya sorpresa que me encontré. Como dice el título de este post, su nombre es Lesley Roy, una joven bien parecida de 21 añitos con mucho potencial.

Ella es originaria de Balbriggan, Irlanda y, a pesar de ello, su acento no es tan marcado, su tono de voz es un poco rasposo, así, rico (en algunas canciones), su música es un poco del estilo de Kelly Clarkson. Resulta que comparten al productor llamado Karl Martin Sandberg, mejor conocido como Max Martin, quien impregna un poco del mismo estilo en ambas, afortunadamente, dando a cada una su sello personal.

Mis recomendaciones provienen de su último disco, llamado Unbeautiful, y son las siguientes:

• Make It Back
  
• Unbeautiful*
  
• I’m Gone I’m Going
  
• Psyco Bitch.
  
• Thinking Out Loud *
  
• Slow Goodbye*
  

*Altamente recomendadas.

Lesley es una artista que apenas comienza su carrera, pero verdaderamente tiene un futuro. Si gustan escuchar su disco, lo pueden hacer en su página oficial:

http://www.lesleyroymusic.com/

• I’m Gone, I’m Going

• Unbeautiful
• Thinking Out Loud

Esta fue mi recomendación de la semana, espero les guste. Prometo seguir buscando nuevas y mejores sugerencias cada vez. Hasta la próxima.